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MÚSICA ~ Orígenes de la ruptura musical a través de los siglos

La ruptura musical ha existido a través de los siglos con distintos orígenes. Hubo cambios de paradigmas que fueron dándose por motivos culturales, tecnológicos, estéticos y, por sobre todo, por la necesidad del hombre de crear distintos lenguajes musicales que dejen una huella a las generaciones venideras.

La noción de ruptura en la música se puede observar como el distanciamiento de la creación con respecto a concepciones, tratamientos, ejecuciones, producciones y recepciones tradicionales del material musical. El rompimiento es de tal magnitud en los siglos XX y XXI, que rebasa las “revoluciones” musicales de otras épocas.

Las transiciones que se dan en la Modernidad, en el Renacimiento, el Barroco, el Clasicismo, el Romanticismo y el Impresionismo solo modifican algunos aspectos de los estilos musicales. Sin embargo, en los siglos XX y XXI se transforman todos los parámetros, cambia radicalmente la concepción del arte y de la música, ya no solo existen las fuentes acústicas, sino también las electrónicas y las electroacústicas, se da una nueva interacción entre distintas disciplinas y el material musical se produce a una escala nunca antes vista en la música.

En esta sección nos encargamos de indagar distintos aspectos musicales, y hoy tomamos los orígenes de la ruptura musical contemporánea que se pueden ubicar en los movimientos artísticos de vanguardia, movimiento que surgieron en contraposición con el romanticismo imperante, predominantemente en países europeos. Pero son las orientaciones filosóficas e ideológicas las que constituyen, por lo general, los motivos que generan una ruptura. Estas trabajan el material a partir de conceptos innovadores como por qué y para quién escribir música. Por medio del empleo de técnicas compositivas basadas en principios distintos que, en general cuestionan contenidos y formas, se incorporan las nociones de sonido, silencio y ruido, y se proponen nuevos sistemas gráficos de notación.

Los movimientos de ruptura aparecen de manera cíclica y lo que en un determinado momento resulta novedoso, incomprensible y provocador, con el correr del tiempo se convierte en algo tradicional, aceptado por las mayorías y establecido como lo usual.

Comencemos con un breve repaso de esta ruptura en la música contemporánea:

Años 50

En los años ’50 la ruptura en la música se dio con el Rock & Roll, un estilo que se popularizó rápidamente entre los jóvenes del planeta quienes con sus hormonas alborotadas disfrutaban de la sensación de liberación y desenfreno que les producía este nuevo hijo pródigo nacido del Rhythm & Blues.

Se suele acreditar a Muddy Waters como el músico que pavimentó el camino del Rock & Roll y a Little Richard o Chuck Berry como los pioneros. pero fue -en mi humilde opinión-; Fats Domino quien fuera el verdadero padre, con su tema “The Fat Man” del año 1949. Luego vendrían tipos como Bill Halley, Buddy Holly, Elvis y tantos otros músicos blancos que dieron popularidad y masividad al estilo.

Pero hubo un elemento técnico que sirvió para dicha ruptura, como, por ejemplo, lo fuera el piano para la música clásica en su tiempo: y me refiero a la guitarra eléctrica, instrumento que pasó de ser un mero elemento de  acompañamiento rítmico a ser protagonista de todo un estilo musical.

Para los jóvenes de esa época, la guitarra pasó a ser el instrumento más popular y deseado, por, entre otras cosas, ser un elemento portátil, a diferencia del clásico piano que reinaba monopólicamente en las casas que pudieran afrontar el gasto de tener uno. De este modo, se creó una cultura completamente nueva alrededor de este instrumento. Una canción que ilustra muy bien esta irrupción del Rock y el auge de la guitarra es “Let there be Rock!”, de 1977 de la banda australiana AC/DC.

Notación musical y sus variables

También hay una ruptura en la notación musical: comenzaron a aparecer nuevas corrientes de vanguardia en la música, que conllevaron en muchas ocasiones cambios en la notación -normalmente ligados a la experimentación y la búsqueda de la novedad- así como a la incapacidad de reflejar los nuevos efectos musicales por medio de la notación tradicional. De esta manera, desde los años cincuenta surgieron distintos sistemas de notación gráfica, que variaban desde una serie de símbolos similares a los usados tradicionalmente, hasta sofisticadas notaciones a todo color (notación simbólica) en las que la transformación gráfica es total: sin referencias al sistema de notación convencional y que, en muchos casos, más buscaban sorprender visualmente que reflejar con exactitud la música que había de interpretarse.

El compositor estadounidense John Cage fue pionero en lo que él llamó indeterminación, una tendencia según la cual el compositor deja ciertos aspectos de la música sin especificar. En 1950 tomó la idea de su amigo y compositor Morton Feldman, quien utilizó una notación gráfica para indicar el timbre, el registro y la duración en términos generales, en lugar de especificar de manera precisa las notas y las duraciones en su obra para violonchelo, Projection 1. Esto se ve reflejado en su Concierto para piano y orquesta, donde muestra sesenta y tres páginas con diversos tipos de notación gráfica, pensada para ser ejecutada por los intérpretes de acuerdo a las instrucciones de la partitura y donde los sonidos exactos generados varían considerablemente de una interpretación a otra.

Otro ejemplo de Cage en el que se emplean la notación gráfica es Variations IV  de 1963, empleando hojas de plástico transparente con líneas, puntos y otros símbolos, que se superponen al azar y se leen después como notación. La influencia de Cage es innegable y lo siguen compositores como Pendereki y su obra Treno a las Victimas de Hiroshima en 1960, donde emplea un tipo de notación gráfica basada en texturas y procesos, en la que se proporcionan escasos pulsos o valores de notas definidos y en lugar de ello se mide el tiempo en segundos. Stockhausen con su obra Klavierstuck XI en 1956 donde la partitura constituye una única hoja con 19 fragmentos breves de música que han de tocarse sucesivamente en forma consecutiva o aleatoria según la indicación del director de la orquesta.

Durante los años ’60 el Rock & Roll tuvo una evolución y un desarrollo enorme aunque para fines del 1960 el espíritu rebelde de los años ’50 ya no representaba a la nueva generación comprometida con revoluciones sociales y ávidos de expresar su opinión con libertad se dio paso al Rock, un estilo con letras más directas y menos naives ,con canciones que sirven de trampolín a la denuncia política, social y cultural; y es parte fundamental de una de las revoluciones sociales más recordadas en la historia de la música actual: Woodstock y  el verano del ´67, también llamado el “verano del amor” donde la cultura hippie ensaya su utopía de paz y amor en el mundo a través de la mancomunión de los seres humanos a través de la música, la libertad de expresión, la conciencia colectiva y un montón de ácido lisérgico.

La guitarra eléctrica evoluciona también a través de los pedales que modifican su sonido, comenzando una nueva era inaugurada principalmente por un guitarrista afroamericano llamado Jimi Hendrix. De allí en más el Rock derivó en una infinidad de distintos subgéneros: el rockabilly, el rock psicodélico, el country rock, garaje rock, punk rock, el rock progresivo, el glam rock, el rock gótico, o el hard rock; cada uno de ellos con un enfoque particular acerca del relato y denuncia de su propia subcultura.

Y en la Música Electrónica, ¿cómo fue?

En estos últimos tiempos la ruptura más notoria se ha dado con la música electrónica, su inclusión en las artes mixtas, la innegable relación de la música y los medio visuales, la utilización cada vez más creciente del formato digital y de nuevas tecnologías a tal punto que usar instrumentos análogos es lo que se ha vuelto una curiosidad. Ya en Alemania Occidental a fines de los años ’60 nacía el Krautrock como una necesidad de encontrar una nueva identidad y crear una nueva cultura para los jóvenes alemanes de post II Guerra Mundial donde grupos como Kraftwerk comenzaban a utilizar los sintetizadores y sonidos electrónicos más industriales como base musical inspirados en las obras de Stockhausen.

También los hacía el compositor italiano Giorgio Moroder con la utilización de sintetizadores y parafernalia electrónica a mano para componer música enteramente electrónica, dando inicio a la fiebre de la música disco a comienzos de los años´70 con sus producciones para la cantante Donna Summer entre otros.

La electrónica hizo mella durante los años 70, en grupos como los ingleses de The Who y su tema “Baba O´Reily”. También en Pink Floyd con sus discos “Piper at the Gates of Dawn” y “Saucerful of Secrets”, donde abundan los osciladores, los tape-loops, ruidos y efectos sonoros. Por su parte, la música electrónica o Techno comienza un proceso evolutivo, derribando infinidad de barreras y trascendiendo a través de los tiempos hasta ser la novedad. Muy a tono con el ciclo de ruptura circular, siendo resistidos en un principio para, finalmente ,ser aceptados y establecidos como lo usual o cotidiano.

Portada: Matthew T Rader

Tommy Tow Ver todo

Columnista & Redactor | Músico y Escritor. Co-Conductor de Nunca Se Sabe. Editor de contenidos de Baires Digital & Engramm Web |
Contacto: tommy.tow@somos.berlin

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